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C'est un des phénomènes en culture numérique que nous, quadras geeks (enfin, nous le croyions), n'avons même pas vu arriver sur nos écrans pendant le confinement. Bon nombre d'écoliers et pré-ados ont été scotchés à Fortnite une bonne partie de leurs journées, pendant cette période. Fortnite? Une sorte de jeu vidéo en réseau gratuit, que (presque) tous les enfants connaissent. Complément d'enquête y a consacré un reportage très intéressant (par ici en replay) hier soir, et m'avait conviée à réagir sur ce phénomène (ainsi que sur Netflix, susceptible de commencer à menacer sérieusement la bonne vieille lucarne dans les salons), en direct de la Cité du cinéma (l'ensemble de l'émission est dispo ici).

Du coup, à l'arrache, j'ai réalisé un mini-sondage via le WhatsApp familial. J'en suis presque tombée de ma chaise. Mes neveux et nièces - loin d'être des enfants accros aux jeux vidéos - connaissent tous bien Fortnite, pour y jouer et avoir des copains (parfois cancres, a cafté un de mes neveux ;) qui y jouent. C'est un vrai phénomène. Dans le jeu le plus connu, Fortnite Battle Royale, un jeu de bataille royale anciennement payant, maintenant en free-to-play, jusqu'à 100 joueurs se battent dans des espaces de plus en plus petits pour finir comme dernière personne debout.

Dans les témoignages très éclairés et de mes neveux et nièces, le côte multijoueurs, entraînant («On peut y jouer en ligne pendant des heures avec ses copains») ressort. «Il y a des gens qui aiment bien dans mon école, parce qu'on peut se parler en audio avec un casque, et il y a plusieurs jeux: des cache-cache, des Battle royales, on peut inviter des amis dans notre groupe. Le principe, ce n'est pas que de tuer des gens: on peut d'aventurer partout, et dans le Battle Royale, on peut faire des constructions, des escaliers...», m"expliquait ma nièce, 10 ans, et déjà bien aguerrie :)

Dans Complément d'enquête, on croise Guylème, 14 ans, qui joue 4 heures par jour «avec des potes» ; Etan, même âge, a dépensé 600 euros en «skins» pour personnaliser son guerrier. Forcément, les journalistes sont allés chercher des spécimens d'enfants gros joueurs.

Assurément, ce jeu cartonne. Il compte désormais plus de 350 millions de joueurs inscrits dans le monde, selon les chiffres dévoilés début mai par Epic Games, l'éditeur du jeu, contre 250 millions il y a un an. Evidemment, le confinement a bénéficié à Fortnite. Rien qu’en avril, le Battle Royale a enregistré 3,2 milliards d’heures de jeu.

Les clés du succès ? Dans Fortnite, il n’y a pas de sang et les graphismes sont cartoonesques. On peut inviter ses amis dans un jeu, et leur parler grâce à la fonction vocale incluse. Son Battle Royale aux 350 millions de joueurs dispose d'un sérieux avantage: il est disponible sur tous les supports, pour consoles de jeux vidéos (Xbox, Nintendo Switch), PC et Mac, et, surtout ,depuis un an, pour les mobiles (iOS et Android) - ça tombe bien, aujourd'hui, même un pré-ado joue régulièrement avec le mobile ou la tablette de ses parents.

Ambassadeurs de marque et «skins» payants

Côté business et marketing, l’imagination d'Epic Games semble sans limites: il organise des championnats démesurés où les joueurs stars, de véritables ambassadeurs, viennent s’affronter en chair et en os. En tête desquels Kinstaar, l'une des vedettes françaises dans ce domaine, issue de l'équipe Solary, qui gagnerait près de 300.000 euros par mois, révélait Complément d'enquête (visiblement, certains fans du jeu n'ont pas du tout apprécié cet angle).

Si le jeu est gratuit, il propose des «skins», des tenues - payantes - pour le personnage virtuel du joueur. À chaque promotion d’un film ou d’une série, un «skin» est créé pour l’occasion. Epic Games se rémunère ainsi des deux côtés, grâce aux revenus générés par les annonceurs et par les fans.

Lors du confinement, Epic Games a présenté un nouvel espace dans le jeu appelé Fête Royale. Un endroit dans lequel les joueurs se rendent pour passer du bon temps et écouter de la musique - une manière de créer des événements, type concerts, qui ne peuvent avoir lieu dans la vraie vie actuellement, en raison des règles de distanciation sociale du «Nouveau monde», face au Covid-19. Cet espace a notamment accueilli la série de concerts du rappeur américain Travis Scott dont le premier a été suivi par 12 millions de personnes. On imagine les perspectives marketing par la suite - et, pourquoi pas, des concerts payants sur Fortnite ?

Le 14 décembre dernier, les joueurs y ont découvert en exclusivité un extrait du dernier opus de la saga Star Wars, en présence du réalisateur J.J Abrams. Le 22 mai, les joueurs ont pu découvrir la bande-annonce du film de Christopher Nolan, Tenet.

Fortnite, jeu vidéo, monde virtuel, réseau social...

En fait, plus qu'un jeu virtuel en réseau, Fortnite est à la lisière du monde virtuel (un peu comme feu Second Life...) et du réseau social. Rappelez-vous: Second Life, lancé en 2003, consiste à se recréer une vie virtuelle. A l’époque, il était devenu si célèbre que des marques s’y étaient inscrites, des partis politiques, et même des entreprises y organisaient des entretiens d'embauches virtuel (so cool et branché à l'époque) - telles L’Oréal, Areva, Unilog, Cap Gemini, Alstom et Accenture: j'y avais alors consacré ce papier pour ZDNet ;)

Fortnite, comme l’expliquait son fondateur Tim Sweeney à Business Insider l'an dernier, «ce n’est plus seulement un jeu». « Nous croyons au pouvoir du “gameplay” social», assurait l'an dernier Tim Sweeney lors de sa présentation à la GDC, au moment de présenter l’Epic Games Online Service. Sous ce nom se cache un outil qui permet à n’importe quel joueur de se mettre en contact avec les autres, et ce quel que soit leur support. Une petite révolution dans un monde où, jusqu’ici, les joueurs PlayStation 4 ne pouvaient jouer qu'avec d'autres joueurs de PS4, etc.

En levant les barrières entre les joueurs, Epic Games s'est débarrass" de ces encombrants intermédiaires que sont Nintendo, Microsoft, Apple, ou Facebook.

C'est la rentrée ! Je réouvre, pour l'instant du moins, ce blog. Peu importe si, parait-il, les blogs sont "démodés", pour moi, un média d'écrits est indémodable. Après une année bien remplie par la promo de mon livre sur Netflix & Cie, il m'a semblé utile de revenir sur la guerre des titans qui se profile dans l'audiovisuel. Et ce qui attend les internautes-téléspectateurs-cinéphiles, de bon et de moins bon...

Disney+ va-t-il enfermer ses abonnés dans sa bulle ? Le 12 novembre prochain, Disney lancera sa machine de guerre, son propre service de streaming vidéo, d'abord aux Etats-Unis, au Canada et aux Pays-bas. Disney voit grand: dès le premier jour, il proposera 7 500 épisodes de séries, 500 films, pour 6,99 dollars par mois. Il vise 90 millions de foyers d'ici fin 2024. Il prévoit déjà un milliard de dollars de pertes, pour acquérir et produire des contenus originaux.

Qui peut s'aligner, avec de tels moyens, et un tel catalogue ? En quelques années, l'empire Disney, déjà fort de ses dessins animés (Le Roi Lion, Toy Story, Cars...), et ses films (comme Pirates des Caraïbes...) n'a fait que grossir. Avec l'acquisition de la 21th Century Fox pour 71 milliards de dollars, finalisée en mars, il a à portée de main des milliers de programmes télévisés estampillés Disney: il a dans son escarcelle la 20th Century Fox - le vénérable studio de cinéma fondé en 1931, qui a produit Cléopâtre, Titanic, et Avatar entre autres; les studios Pixar, rachetése 7,4 milliards de dollars en 2006, Lucas Films (les sagas Star Wars, Indiana Jones), rachetée 4 milliards en 2012, les Simpsons, et la licence de super héros Marvel.

En un clic, l'internaute-abonné aura donc accès à l'empire Mickey. A condition de s'abonner. Ce qui s'esquisse, avec Disney+, c'est une plateforme où des milliers de films et séries seront réservés aux seuls abonnés.

La guerre des titans est bien lancée. Comme je le retrace dans mon livre Netflix & cie, les coulisses d'une révolution, en quelques années, un autre ogre américain, Netflix,"pure player" du streaming vidéo, lui, a déjà une longueur d'avance: il a dépensé 12 milliards de dollars en acquisitions et productions pour la seule année 2018. Ironie, jeudi dernier, où j'étais invitée à débattre dans "Le téléphone sonne" sur France Inter (podcast par ici) de la guerre des titans du streaming, Netflix, au départ simple service de location de DVD sur abonnement, fêtait ses 22 années.

Lors du lancement de Disney+, des séries inédites leur seront proposées - en exclusivité.The Mandalorian, nouveau spin-off de Star Wars, écrit par l'auteur d'Iron Man ; la série Obi Wan Kenobi, où Ewan McGregor a accepté de rempiler dans la peau de son personnage ; trois nouvelles séries Marvel, dont The Eternals avec Kit Harington, qui s'est fait connaître dans Game of Thrones... a botte secrète de Disney+, c’est la possibilité de développer un nombre infinis de contenus exclusifs, à partir de ses marques prestigieuses.

Très attendus aussi, les prochains films Disney en salles: l'épisode 9 de Star Wars, L'Ascension de Skywalker, qui sort le 18 décembre; La Reine des Neiges 2, le 22 décembre, Avengers Endgame en décembre...

Or, après leur sortie en salles, ces films seront réservés aux seuls abonnés de la plateforme Disney+. Qui auront par exemple en exclusivité Captain Marvel. On le sait, Disney est en train de retirer progressivement ses contenus de Netflix - dont il est désormais concurrent . Bob Iger avait commencé à déclarer la guerre à Netflix en été 2017, lorsqu'il a annoncé ne pas reconduire son contrat. Sur Netflix, Jessica Jones (3 saisons), Luke Cage ou encore Daredevil (3 saisons) ont fait des cartons d'audience, tout comme Agent of S.H.I.E.L.D. (6 saisons), diffusé sur ABC, entre autres. Tout ce catalogue sera rapatrié sur Disney+ à son lancement le 12 novembre.

Ce qui s'esquisse, c'est que, peu à peu, Disney va réserver ses films et séries, nouveautés ou archives, à ses seuls abonnés. Il faudra être obligatoirement abonné à sa plateforme pour pouvoir les visionner. Dans cette logique, Disney a même annoncé la semaine dernière son intention de ne plus sortir ses prochains films et séries en DVD ! Une révolution. Et une manière d'enfermer ses abonnés dans ses propres contenus.

Disney ne fait que renforcer cette tendance que Netflix a créée. J'ai déjà abordé ici et dans mon livre la polémique qui a opposé à plusieurs reprises Netflix aux organisateurs de festivals de cinéma, dont Cannes: pour Netflix, il est normal de réserver ses productions originales - films, ET séries - à ses seuls abonnés. Et donc de ne pas les sortir en salles (ou très peu).

Roma d'Alfonso Cuaron, le film aux cinq Oscars? Il est sorti dans une poignée de salles à Londres, New York et Los Angeles. Mais seuls les abonnés à Netflix ont pu le voir (directement sur leur téléviseur). LA prochaine superproduction de 3h30 du maître Martin Scorsese, The Irishman? Elle sera proposés directement sur Netflix le 27 novembre. Et peut-être dans quelques salles . Netflix a déboursé au moins 170 millions de dollars pour le produire, il lui semble donc "normal" de le réserver aux abonnés. The Landromat, prochain film de Steven Soderbergh, lui aussi produit par Netflix, présenté il y a quelques jours au festival de Venise, connaîtra le même sort.

Vous voulez revoir l'intégrale de Friends, série-culte des années 90 qui connaît un retour en grâce inattendu? Elle a effectué son come back sur Netflix, dont elle représentait une bonne part de l'audience. Le 9 juillet, Netflix a annoncé qu'elle disparaîtrait de son catalogue - aux Etats-Unis - dès 2020. Elle a été rachetée par la Warner pour son futur service de streaming vidéo HBO Max. Selon le Hollywood Reporter, Warner a déboursé 85 millions de dollars par an pendant cinq ans pour en obtenir les droits; En clair, à moins de trouver des DVD (ou des cassettes vidéo sur eBay, soyons vintage jusqu'au bout), les Américains devront s'abonner à HBO Max pour (re)voir la série. Pour la France, rien n'est sûr pour l'heure. Pourtant, en décembre dernier, Netflix avait mis 100 millions de dollars sur la table pour garder la sitcom culte - pour un deal non-exclusif, de surcroit.

Et ce n'est que le début. Netflix, Disney, et bientôt Apple avec son propre service de streaming vidéo Apple+, attendu outre-Atlantique en novembre, AT&T-WarnerMedia avec HBO Max, Comcast avec NBCUniversal... Tous ces géants de la tech, pour lancer leurs plateformes concurrents à Netflix, ont eux aussi préparé leurs munitions: tous investissent des milliards de dollars (au moins 12 milliards cette année pour Netflix 7 milliards pour Apple) pour acquérir ou produire des contenus *exclusifs* pour leurs plateformes. L'internaute n'aura d'autre choix de s'abonner à tel ou tel service pour les voir. Sauf à passer par un service de téléchargement ou streaming pirate.

Il était censé venir au Festival de Cannes avec 5 films et documentaires dans les cartons. Finalement, Netflix a décidé de bouder la grand-messe du cinéma, qui bat son plein en ce moment. Tout est parti d'une déclaration le 23 mars dernier de Thierry Frémaux, délégué général du Festival, précisant "Tout film qui souhaite concourir pour la Palme d'or devra sortir dans les salles françaises". La règle est claire, désormais, Cannes n’accepte en compétition que des œuvres qui sortiront en salles. Ca n'a pas manqué, le 13 avril, Ted Sarandos, directeur des contenus de Netflix, annonce sa décision de bouder le festival. "Nous voulons être sur un plan d'égalité avec les autres cinéastes", précise-t-il dans un entretien à Variety, la Bible de la presse cinéma à Hollywood. Et d’ajouter: "Bien sûr, il y a deux visions différentes. Mais nous avons choisi de nous inscrire dans l'avenir du cinéma. Si Cannes a choisi d'être bloqué dans l'histoire du cinéma, c'est son choix".

Un premier round dans cette bataille avait été mené en mai 2017, lorsque Netflix avait rechigné à sortir dans les salles obscures ses deux films en sélection officielle, Okja et The Meyerowitz Stories. Pour les diffuser uniquement sur sa plateforme de streaming. A la grande colère des exploitants, qui y voyaient bafoué le statut roi du film projeté en salle, protégé par l'intouchable chronologie des médias. Netflix avait alors remporté la manche.

En cette année 2018, la mesure de rétorsion ne s’est pas faite attendre : cinq films produits par la firme de Los Gatos ont été privés de tapis rouge à Cannes : Norway de Paul Greengrass, Roma d'Alfonso Cuarón (réalisateur de Gravity), Hold the Dark de Jeremy Saulnier, They'll Love When I'm Dead, un documentaire de Morgan Meville sur le cinéaste Orson Welles, et même The Other Side of the Wind, le dernier long-métrage inachevé de ce même Orson Welles. Un projet inachevé du légendaire réalisateur de Citizen Kane, qui avait a pu aboutir… grâce à un investissement de Netflix.

Les Anciens contre les Modernes

Comme une nouvelle bataille des Anciens contre les Modernes. Même si, la semaine dernière, au festival Series Mania à Lille, consacré aux séries télévisées, revenant sur cette polémique, Reed Hastings se livrait à un semi mea culpa, regrettant qu'avec le Festival de Cannes, où aucun de ses films n'est sélectionné cette année 2018 faute d'accord, Netflix "s'est mis dans une situation plus délicate que ce que nous aurions voulu". Avant de défendre son modèle économique: "comme nos abonnés financent nos films, on veut qu'ils y aient accès rapidement et pas trois ans plus tard".

Mais pourquoi ce combat entre le nouveau géant de l'audiovisuel et les organisateurs du Festival de Cannes ? Toute la polémique repose sur la sortie des films en salles, indispensable pour les organisateurs du Festival de Cannes, accessoire pour Netflix. Or, un film projeté dans un cinéma doit attendre trois ans avant qu’une plateforme de vidéo à la demande par abonnement puisse le diffuser. C’est la règle en France, la "chronologie des médias".

Or, qu'est-ce qui définit un film aujourd'hui ? Sa sortie en salles est-elle encore indispensable, obligatoire, pour en faire un film ? Ou un film est-il un film par ses conditions de tournage, de production ? Alors que se multiplient les plateformes de vidéo à la demande sur abonnement, Netflix (qui compterait 3,5 millions d'abonnements en France), Amazon Prime Video, et bientôt, un "Disney Flix", voire des plateformes de SVoD européenne, chinoise, entraînant de nouveaux usages dans les modes de consommation visionnage des films.

Netflix l'a dit à plusieurs reprises, ses 8 milliards de dollars de budget de production de "contenus originaux" (dont 1 milliard pour l'Europe) visent en partie à produire des long-métrages, destinés à sortir directement et uniquement sur sa plateforme, sans passe par la case salles de cinéma.

"Webfilms"

Ces films nouvelle génération, "ce sont des webfilms", me disait récemment le cinéaste Radu Mihaileanu, président actuel de l'Association des réalisateurs producteurs (ARP). Sans préjuger de leur qualité, à ses yeux, "ce n'est pas du cinéma: ces webfilms ne sont vus que sur un écran d'ordinateur ou de télévision".

Justement, peu avant le Festival, le 13 avril, Netflix sortait directement sur sa plateforme Je ne suis pas un homme facile, estampillé "premier film français Netflix original". Réalisé par Eléonore Pourriat, ce film, très drôle, qui imagine un monde où les femmes auraient précisément la place sociale des hommes, a tout du film indépendant , entre son casting, avec à l’affiche Vincent Elbaz et Marie-Sophie Ferdane, méconnue au cinéma mais pensionnaire de la Comédie française, aguerrie au théâtre.

La réalisatrice est ravie, elle estime qu’elle n’aurait pas eu sa chance aussi vite pour monter son premier film en France. Pour elle, c'est sûr, cela reste un film, "Nous avons travaillé dans les mêmes conditions , et une même exigence, que si le film était projeté en salles : avec une chef opératrice, un ingénieur du son…", m'expliquait-elle.

Le fait qu'il ne sorte pas en salles ne lui pose pas de problème. Elle est déjà convaincue du bien-fondé des nouvelles formes de distribution en ligne des films. Elle qui a acquis une "notoriété virale" avec son premier court-métrage, Majorité opprimée, 9 millions de vues sur YouTube aux quatre coins du monde. Et même, sur Netflix, elle estime bénéficier "d'une exposition dans 192 pays. Et il est sorti sans la pression du mercredi à 14 heures : on lui laisse le temps de s’installer par le bouche à oreille".

C'est un film dont on ne sort pas indemne. Sur le coup, un peu sous le choc, inquiète, mais pas effrayée pour autant, et l'estomac noué. EC'est un de ces films qui marquent, car il s'agit d'un véritable Ovni cinématographique, insolite, inclassable, indéfinissable (film d'horreur? Pur film indé français fin d'études Femis?), qui apporte un ton nouveau. Parfois, il vous emmène dans des sensations à la limite du désagréable, un peu comme une craie qui crisse sur un tableau noir, vous détournez le regard, mais sans jamais franchir la limite de l'horreur. Quelques heures après, il en reste des sensations, des images fortes, ce ton échevelé, désinhibé, libre, mais pas gratuitement provoc'. Il nous emmène dans un voyage étrange, mais la cinéaste a l'habileté de le narrer à travers un récit banal, quotidien au premier abord (l'initiation à double sens d'une étudiante), pour aborder un des tabous absolus de l'humanité: le cannibalisme. Est-ce bien raisonnable de manger son prochain?

"Grave", c'est donc ce premier film français de la jeune réalisatrice Julia Ducournau, ultra-diplômée (de la Femis, un des écoles de cinéma françaises les plus select, et la l'université Columbia), produit par Julie Delpy, sorti il y a moins de quinze jours, et qui semble bien parti pour acquérir une notoriété mondiale. C'est donc l'histoire de Justine (on pense forcément à Sade), 16 ans, étudiante ingénue et brillante, qui intègre une école vétérinaire - tout comme sa soeur, encore étudiante, et ses parents avant elles. Sur place, les premiers jours sont loin d'être sagement studieux, avec le bizutage des novices, et son lot d'épreuves à la limite du dégradant. Justine s'y plie, bon gré mal gré, jusqu'à être forcée à gober un rognon de lapin cru - épreuve terrible, pour elle la végétarienne... Elle subit ensuite des effets secondaires qui nous font entrer dans un univers à la limite du fantastique: elle est peu à peu gagnée par un appétit irrépressible de viande crue, de chair fraîche, et très vite, de chair humaine.

Je ne vais pas vous spoiler ici tout l'intrigue du film ;) mais une des grandes réussites de Julia Ducournau est de traiter un sujet fantastique, qui relève du cinéma d'horreur - le cannibalisme - dans une fiction ordinaire. Et elle crée d'emblée un univers où s'insinue une vague inquiétude, quelque chose d'organique et d'étrange: l'omniprésence du sang, déjà: dès la scène de bizutage où, pour la traditionnelle photo de promo, les jeunes bizuts se voient déverser des flots de sang (l'image de Justine ensanglantée évoque Sissy Spacek dans Carrie de Brian de Palma). Omniprésence des animaux ensuite, morts ou vifs, en bocaux, ou disséqués en cours. Dans quelques scènes cruelles et fulgurantes, la cinéaste cerne bien des nouveaux comportements de la génération Y: mention spéciale pour ces scènes d'anthologie où la jeune Justine, en prise à ses démons cannibales, et filmées en direct par se camarades de promos avec leurs smartphones... Qui sont alors les plus barbares: la cannibale malgré elle, ou les autres étudiants qui la filment avec avidité?

On sent que la cinéaste a fait se classes pour traiter de ce sujet propre au fantastique, le cannibalisme, à une sauce ultra-réaliste: dans ses interviews, elle cite Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper, bijou indé des 70s d'autant plus flippant qu'il est tourné caméra à l'épaule (comme un documentaire), Shining de Stanley Kubrick, Crash de David Cronenberg, plutôt que les classiques de l'horreur tels que La nuit des morts vivants de George A. Romero.

Drew Barrymore zombie chez Netflix

La cannibale, nouvelle héroïne féminine? Ce personnage s'invite aussi à la télé. Le mastodonte de la série télé mainstream Netflix a lui-même commandé une série originale avec une héroïne cannibale. Dans Santa Clarita Diet, Drew Barrymore incarne une desperate housewife (ou presque) qui mène une vie vaguement ennuyeuse d'agent immobilier, dans une banlieue proprette. Jusqu'au jour où elle ressent subitement le besoin de dévorer de la viande rouge - et des êtres humains. Et redécouvre alors le bonheur familial et conjugal. Etrange série, où, comme chez Julia Ducournau, ce phénomène fantastique est mis en scène dans un univers un ne peut plus quotidien, avec humour potache de soap très américain, où son mari s'efforce de l'aider dans sa nouvelle quête (sans sembler paniqué). Il va même l'aider à tuer, de préférence des criminels ou des mauvaises personnes (coucou Dexter). Un ton étrangement absurde où la mère de famille qui devient zombie doit toujours vendre des maisons et entretenir de bons rapports avec ses copines du quartier.

Mais pourquoi cette nouvelle incursion du cannibale dans le cinéma? Evidemment, c'est un classique du cinéma d'horreur. Mais son retour dans la culture pop a été consacré, dans les années 2000, avec la série The Walking Dead, succès continu depuis 2010. Que l'on voit même revenir ici où là dans des petites pépites du cinéma indépendant, aux quatre coins du monde. L'an dernier, au festival de Cannes, deux films abordaient ces ripailles vampiriques: l’un ­situé dans le milieu du mannequinat (The Neon Demon), l’autre en pays ch’ti (Ma Loute). Dans Dernier train pour Busan, film sud-coréen sorti en août 2016, où les voyageurs à bord d'un train se trouvent atteints d'une étrange maladie qui les transforme en zombies...

Révélateur contemporain

Le cinéma s’est toujours nourri de l’état du monde. Dès lors, les troubles qui affligent nos sociétés, nos économies, influencent la production contemporaine. Cette réapparition en salles d'un sujet horrifique et tabou - doit-on manger son prochain pour survivre? - se marie avec une époque, dans la France et le monde d'aujourd'hui, où il y a plusieurs motifs de terreur et d'angoisse. Un film sur le cannibalisme aborde le tabou ultime, et interroge avec brutalité sur les limites de l'humain. Le cannibale, c'est le sauvage, celui qui, par ses mœurs primitives, nous conforte dans notre sentiment de notre humanité. ou peut-être sur notre propre barbarie... De même que La nuit des mort-vivants, sorti en 1968, était une métaphore de la contagion du mal, du communisme qui effrayait alors les Etats-Unis, en pleine guerre du Vietnam, Grave incarne un monde contemporain où des dirigeants, tel Donald Trump, outrancier, extrémiste et grossier, et d'autres personnages populistes en Europe, incarnent une certaine violence.

Allumage de l'ordinateur (un MacBook évidemment, tout comme tous les personnages du film seront dotés d'iPhone), cliquettement rapide des touches du clavier, puis elle ouvre tour à tour Spotify, sa boîte Gmail, avant d'être interrompue par une notification Facebook, puis un appel sur FaceTime. Puis une notification sur son mobile venue de Nerve, le dernier jeu virtuel à la mode... Dès les premières secondes du film, nous sommes immergés dans le quotidien très numérique de Venus (Emma Watson), lycéenne new-yorkaise de 18 ans, dont la post-adolescence est rythmée par une vie numérique effrénée. A première vue, Nerve est un film qui cible les ados et la génération Y. Précisément en mettant en scène leur quotidien imprégné du Net et des réseaux sociaux. Et par une intrigue menée tambour battant, très (trop) vite, musique pop douceâtre (bande originale xx) , images saccadées et ultra-rapides, qui semblent souvent tout droit sorties d'un clip. Ou plutôt, d'un jeu vidéo, sur lequel le film semble calqué. Logique: déjà aux manettes de la saga-blockbuster Paranormal Activity, le duo de réalisateurs américains Ariel Schulman - Henry Joost sont des habitués des films à gros budgets pour ados, dont ils manient à la perfection les codes. Un petit carton: près de 300 000 entrées la première semaine, Nerve étant ainsi numéro 2 au box office français.

Mais ce film va plus loin, ce qui m'a donné envie d'écrire dessus (chronique garantie sans spoilers), après avoir (longuement) déserté ce blog, au gré d'une nouvelle étape professionnelle (pardonnez-moi, chères lectrices et chers lecteurs !). Sous un vernis de films pour ados un rien agaçant, Nerve s'avère être un thriller horrifique et une dystopie, qui met en scène de façon glaçante les futures dérives possibles de nos usages numériques, l'omniprésence des réseaux sociaux et du numérique dans nos vies. Ce qui rejoint mes obsessions que je nourris ici ;) Il prend parfois un tour de film d'horreur futuriste: au cinéma, tout à l'heure, une bande d'ados (la génération Y mise en scène dans Nerve) à côté de nous se gaussaient au début en engloutissant leur pop-corn, avant de pousser des cris effrayés par moments, totalement immergés dans le film.

Trick or Treat, Dystopie à l'heure des réseaux sociaux

Le pitch, donc: dans un futur proche (en 2020), Vee (Venus), pas vraiment accro à la tourmente des réseaux sociaux, cède au champ des sirènes, par défi envers sa meilleure amie, en s'inscrivant à Nerve, mi-jeu en ligne, mi-réseau social clandestin. Le film est tiré d'un roman pour ados, Addict, de Jeanne Ryan. Métaphore de la "vraie vie", de la société, forme de Trick or Treat (Action ou vérité), il divise ses membres en deux catégories: les "players" (joueurs) acceptent de relever des défis, contre de l'argent, allant du french kiss à un inconnu dans un bar à une situation parfois mortelle (passer entre deux immeubles sur une échelle placée à l'horizontale en attitude). Les "viewers" (voyeurs) paient, et en échange, soumettent des défis aux joueurs, que ceux-ci doivent relever et filmer en direct. Pas de spoil ici ;) mais en très raccourci, Vee se voit vite intronisée comme joueuse, à un certain prix: son identité numérique est littéralement vampirisée par le jeu virtuel, qui, dès qu’elle a accepté d'être "player", aspire tous les éléments sur elle (photos de vacances, etc) qu'il aspire immédiatement sur son ordinateur et sur les réseaux sociaux, et toutes ses traces numériques qui ressortent via Google. Elle va devenir une star virtuelle du jeu, mais les voyeurs dictent les règles: ce sont eux qui lui imposent de former un couple avec son partenaire so sexy (James Franco), et d'aller essayer en 10 minutes La robe lamée verte dans ce magasin de luxe. C'est là que l'on voit la dimension dystopique du film.

"Nerve est une démocratie directe", ose un des personnages du film. Les voyeurs dictent les règles, et pourchassent le couple dans ses défis en le filmant avec les caméras de leur smartphone. On voit bien les références explicites et très actuelles du film: Twitter, et plus encore Snapchat, Periscope, ou Facebook Live, où le mobinaute a pris l'habitude de partager en direct des instants, et attend des réactions en direct (commentaires, cœurs sur Periscope). D'ailleurs, un autre film-phare de la rentrée met en scène cette jeune génération Y (film très différent, hein): l'explosif et vital Divines de Houda Benyamina, Caméra d'or au festival de Cannes cette année. Chez elle, les premières minutes du film ressemblent à des images tournées en direct depuis un smartphone sur Periscope.

Le film met en scène, dans une écriture nerveuse et rapide, ce speed lié aux réseaux sociaux. Vee et filmée en contrevue à l'envers de son écran d'ordinateur (comme s'il l'observait). A plusieurs reprises, on voit les notifications des ordres des "viewers" s'afficher sur son smartphone (iPhone évidemment, dont le film est une longue pub gratuite). Dans plusieurs scènes, les réalisateurs superposent à l'image des SMS, ou sur des vues de New York, la localisation en direct des joueurs secrets de Nerve (pour montrer son caractère invasif)...

Avec Nerve, où les personnages relèvent des défis parfois mortels, on pense aussi aux "faits divers" sordides que l'on a commencé à voir émerger ces derniers mois autour de ces réseaux sociaux mobiles: le cas terrifiant, en mai dernier, de cette jeune femme de 19 ans qui s'est suicidée en direct avec son Periscope allumé. Le film évoque aussi fortement le site de streaming de jeux vidéo en direct Twitch, "qui a popularisé la dichotomie entre le caster (le diffuseur, celui qui se montre), et les viewers (les spectateurs)", comme le relève mon confrère William Audureau dans cet article. Pour moi, il faut écho de façon encore plus brûlante à Pokemon Go, ce jeu virtuel sur mobile de chasse (certes pacifique, elle ;) à des bestioles virtuelles. Qui a conduit des joueurs à prendre des risques parfois mortels.

Les hackers (et les voyeuristes) stars de Hollywood

Extrait de Mr Robot

Le film révèle aussi une certaine fascination d'Hollywood pour le monde numérique, les dystopies effrayantes, et ses acteurs: hackers de génie, voyeurs pervers, société ultra capitaliste. Les exemples de films et séries sont légion. Les hackers nouvelles stars, j'en ai parlé dans ce billet il y a pile un an. La (top) série Mr Robot, qui débarque sur France2 cet automne, met en scène un hacker paranoïaque. Un des épisodes de la série. Le réseau social ultra intrusif, c'est le sujet du livre The circle (chronique en 2013 dans ce billet, sorti en VF cette année), qui met en scène un Google bis, où "La vie privée, c'est du vol". Le sujet est très contemporain: Mark Zuckerberg affirmait en 2010, dans le Washington Post, "Si les gens partagent plus de choses, le monde sera plus ouvert et plus connecté. Et (...) c'est un monde meilleur". Vive la transparence, à bas le secret.

Nerve dénonce aussi les voyeuristes sadiques (eux qui lancent des défis mortels), protégés derrière leurs écrans par leur anonymat, et l'univers qu'annonce la télé-réalité. Tout comme dans la saga Hunger games, ou la très radicale série TV britannique Black Mirror (production: Channel 4), notamment l'épisode La chasse.

"Il faut sans cesse se jeter du haut d'une falaise et se fabriquer des ailes durant la chute". (Ray Bradbury)

"On te demandera de faire le mal où que tu ailles. C'est le fondement de la vie: avoir à violer sa propre identité". (Philip K. Dick)

"La nature nous a créés avec la faculté de tout désirer et l'impuissance de tout obtenir". (Machiavel)....

Chacun des épisodes s'ouvre avec une de ces maximes de philosophes ou demi-dieux de la science-fiction, empreintes de cynisme désabusé. Et annoncent la couleur. Trepalium est une mini-série d'anticipation, une des premières productions propres d'Arte dans ce domaine. Une petite bombe, un trésor de dystrophie, écrite par Antarès Bassis et Sophie Hiet, qui tient en 6 épisodes de 52 minutes, ultra-condensés. Une petite bombe dans l'univers de la sci-fi. Et la meilleure série que j'aie vue depuis Real Humans, petite perle suédoise déjà découverte par Arte, dont je parlais notamment ici et là. J'ai eu la chance de la voir en avant-première, à quelques jours de sa diffusion sur Arte, le jeudi 11 février.

Il était une fois un monde futur, à une date méconnue (mais pas si éloignée que cela), quelque part en Europe. Une dystopie (donc une vision, une distorsion horrifique de la réalité actuelle). De 15% de chômage aujourd'hui, nous sommes passés à 80% (!) de chômeurs. Dans un monde futur ravagé par la crise, les gens ayant un emploi vivent séparés de ceux qui n'en ont pas, dans un apartheid ultralibéral. Une séparation matérialisée par un mur, un mur d’enceinte imprenable. D’un côté la Zone, de l’autre la Ville. une "Zone" miteuse et anarchique où la population est privée de tout, et surtout d'eau potable. Chacun rêve de gagner à La tombola, où chaque année, le gagnant accéder au statut privilégié de "dynactif". De l'autre, la Ville, monde d'abondance glacé où chaque salarié est pressurisé à l'extrême, devant tout faire (il est lui aussi en mode survie) pour garder son travail. Son destin est régi par Aquaville, la firme qui emploie tous ces urbains, et qui détient le monopole de l'eau potable.

Lors des premières images (tournées par la télévision d'Etat, monde orwellien oblige); la Première ministre (incroyable Ronit Elkabetz, qui laisse entr'aperçevoir un soupçon d'humanité, derrière une voix rauque à souhait) franchit le Mur ("événement historique", proclame la télé officielle), pour libérer le ministre du Travail (son mari), détenu par des activistes depuis 15 mois. Face aux risques de révolte, elle instaure dans l'urgence un plan inédit de rapprochement entre ses populations: chaque salarié devra embaucher un "emploi solidaire" (superbe novlangue - ça vous rappelle quelque chose ?) sélectionné dans la zone. La famille de Ruben Garcia, un ingénieur en pleine ascension, est contrainte d’embaucher la zonarde Izia, qui rêve d’offrir un nouveau destin à son jeune fils Noah…(No spoils pour la suite ;) Voilà pour le pitch.

La série prend scène, par petites touches, dans un monde futur: les téléphones portables tiennent dans la paume de la main. Plus de téléviseurs, mais des écrans ou des murs interactifs un peu partout. Les voitures ont un design 70s et sont électriques, silencieuses et totalement autonomes.

Trepalium : instruments de torture à trois pieux dont se servaient les Romains pour châtier les esclaves rebelles

De travail, il en est beaucoup question dans cette mini-série très contemporaine. Il est même central. Il est dans le nom même de la série. Et pose des questions très contemporaines (je vais essayer de vous épargner les lapalissades...). Le travail peut-il être source de plénitude ou de souffrance? Peut-on se réaliser dans son travail? Le travail identifie-t-il un individu, le rend-il digne de considération? Le travail rend-il libre? Est-on sans valeur parce que sans emploi?... "La question est de savoir s'il est obligatoire de travailler pour avoir le droit d'être quelqu'un", interroge un instituteur improvisé aux enfants d'"inactifs".

Monde blanc laiteux et glacé vs monde aux couleurs sépia

Le moindre détail est travaillé dans cette série très dense. Casting hallucinant, entre Ronit Elkabetz, Charles Berling (en cadre salace et mégalo) et Léonie Simaga (actrice sociétaire de la Comédie française, qui incarne Thaïs Garcia et Izia, deux personnages-miroirs). Même la photo reflète la dualité: entre le monde froid de la Ville, où les couleurs sont proches du blanc laiteux. Les personnages sont glacés, d'une froideur robotique (cheque reflète très bien le maquillage, et les coupes de cheveux, trop lisses) et portent des sortes d'étranges uniformes dans un style rétro-futuriste (robes-chasubles, chemises blanches, jupes-crayons 60s). Chaque jour, les individus doivent rendre leurs vêtements (et jouets pour les enfants) - pour éviter tout sentiment de possession, d'attachement ? Dans ce monde-là, on ne s'étreint pas, on se dit peu de choses, on ne dit surtout pas ses sentiments. Point savoureux, plusieurs scènes de ce monde ont été tournées au siège historique du Parti Communiste français (on voit bien la mise en parallèle). On y voit des couloirs, des rues grises, des escalators immenses, des visages sans expressions. On pense à Bienvenue à Gattaca ou Soleil vert. Dans ce monde, Ruben Garcia, dès qu'il découvre son chef de service mort, appelle son père et lui indique illico: "mon directeur de service est mort, je veux postuler". Les moments les plus horrifiques sont accompagnés d'une musique classique magnifique.

De l'autre côté, le monde de la Zone: là, le chef opérateur a opté pour une photo aux couleurs un peu passées, presque sépia. Les "inactifs" sans habillés de manière contemporaine, mais avec des vieux vêtements, et vivent dans des taudis, sans eau courant ni électricité. Ici, c'est la débrouille pour survivre. Mais on se parle, fort, dans une langue familière, on se soutient. Les personnages sont sensuels. Ici, les plans irréguliers tournés caméra à l'épaule suggèrent une vie bouillonnante.

La série est très contemporaine dans la vision (forcément tordue, paranoïaque) du monde du travail qu'elle donne. (Certes, cela devient vite un brûlot antilibéral gonflé, provocateur). A un moment donné, Ruben Garcia lâche à Thaïs, tombant le masque: "Vous n'imaginez pas tout ce qu'il faut faire ici pour ne pas perdre son emploi, et ne pas passer de l'autre côté" - la Zone, bien sûr. On découvrira peu à peu ses failles, susceptibles de le faire tomber, comme cette petite fille qu'il touche à peine, enfant "mutique" (oui, c'est un syndrôme, dans ce monde). Mutique, potentiellement "inutile", voire "inactive"... Or ici, "l'homme inutile est vite dangereux", lâche à un moment donné le père de Ruben. La fin en forme de twist, mi-happy mi-glaçante, vous laissera songeurs...

Jill dans La trilogie Nikopol (Enki Bilal, ed. Les humanoïdes associés)

2016, ça y est, nous y sommes... J'aurais pu, comme beaucoup, tels Titiou Lecocq ou Bigbrowser, écrire un bilan de l'année 2015. Une année particulière, dure (j'avais l'impression de regarder le zapping annuel de Canal+ sous Xanax ces derniers jours..), "poisseuse" me disait-on encore hier, où on a été secoués par les attentats, où le vivre-ensemble de manière sereine est devenu essentiel. Dans l'après-13 novembre, les questionnements (légitimes) se sont multipliés. Pour ma part je me suis sentie sûre de ma chance, d'être toujours là (en clair, en vie), à ma place, avec pour 2016 de nouveaux projets professionnels bien kiffants (cela, vous en saurez plus ces prochains jours ;) et personnels, plein d'envies, de nouvelles choses à accomplir. Alors je vis sans doute plus dans le présent et l'avenir à préparer que le bilan du passé...

Quoi qu'il en soit, j'en profite pour vous remercier pour cette nouvelle année où vous avez continué à me lire, pour ce blog qui fêtera en février ses 9 ans (9 ans !) d'existence, et où vous avez été en moyenne 35 000 lecteurs par mois à me lire ! Alors merci pour votre intérêt, vos réactions et votre bienveillance. Et tous mes vœux de bonne année 2016, lectrices et lecteurs chéris !

Pour bien attaquer 2016, outre le bilan de l'année 2015, j'ai envisagé le traditionnel billet-marronnier sur les innovations et tendances tech les plus attendues 2016 (donc comme vous pouvez l'imaginer, l'an I de la réalité virtuelle, le nouveau chapitre des objets connectés, la multiplication des écrans, l'après-4G, etc etc). Nooon pitié, m'a supplié un ami-lecteur hier. Ou encore le 135ème billet sur Star Wars et la folie commerciale des produits dérivés: sujet déjà traité à l'envi, dont par votre dévouée dans cette enquête...

Finalement, en y réfléchissant, dans les événements de la culture mainstream de 2015, un point commun positif s'est dégagé: enfin des femmes fortes, des nouvelles super-héroïnes s'imposent comme personnages principaux ! Je pense à deux films, deux des blockbusters les plus attendus de 2015, Mad Max : Fury road (sorti en mai 2015), et Star Wars : Le réveil de la Force (décembre 2015).

Deux wonder women dans deux blockbusters

Deux films qui ont plusieurs points communs : ils s'inscrivent dans des sagas à gros budgets, avaient suscité une certaine attente, pour l'un parce que c'était la première production par le géant Disney (et non plus par le - soit-disant - petit poucet LucasFilms) ; pour l'autre parce que ce quatrième opus était attendue depuis la sortie en 1985 de Mad Max : Au-delà du dôme du tonnerre, avec plusieurs tentatives avortées de George Miller. Tous deux sont des sagas-cultes de science-fiction, inaugurées à l'aube des années 80 : le premier est une saga intergalactique, dans le genre de space opera, le second une série de courses-poursuites dans un monde post-apocalyptique, où les survivants tentent d'organiser un monde nouveau.

Enfin et surtout, ces deux sagas ont longtemps été connotées plutôt "masculines", en tous cas visant initialement un public plutôt masculin : vous noterez que je prends beaucoup de pincettes ;) car à titre personnel, j'ai beaucoup baigné dans la culture Star Wars (grâce à mon cher papa), mais en sondant mes collègues et amies femmes, je me suis aperçue que cela était loin d'être un film de chevet pour petites filles dans les années 80 ;) Quant à Mad Max (que je connais beaucoup moins j'avoue), il montre une dystopie, un univers sombre, assez violent, où l'on a beaucoup de scènes d'action (comprenez de bastons, de courses-poursuites, d'explosions spectaculaires).

Et donc, ça y est : reflet de l'époque, pour la première fois cette année, Star Wars et Mad Max mettaient (enfin) en scène des vraies femmes fortes, le pendant des super-héros. Des vraies badass girls, "qui en ont". Un petit point vocabulaire s'impose quant à la définition de Badass: le terme (appliqué initialement aux mecs) désignait initialement un mauvais garçon dans l'argot US, avant de dériver de façon positive vers un dur à cuire, qui a la classe, une sorte de héros en somme. Comme Clint Eastwood dans Le bon, la brute et le truand : tout le monde s'interrompt, même le pianiste, lorsqu'il pousse les portes battantes du bar, et commande son double scotch. Il a ses dignes successeurs, comme Jules Winnfield dans Pulp fiction.

Certes, on a vu quelques badass girls apparaître dans la culture mainstream en sci-fi, telle Lara Croft, devenue l'icône de la franchise de jeux vidéos Tomb Raider, Sarah Connor dans Terminator 2: Le soulèvement des machines, ou Trinity dans Matrix (Et vous en trouverez sûrement d'autres...).

Rey dans Star Wars : Le Réveil de la Force, "scavenger" habitée par la Force

Star Wars : Le réveil de la Force, d'abord (6,8 millions d'entrées en France à ce jour). Attention spoilers dans ce paragrap.... Son personnage principal est une nouvelle-venue dans la saga, Rey (jouée, comme souvent dans Star Wars, par une actrice méconnue, Daisy Ridley, 23 ans), sans nom de famille connu : la jeune femme survit seule sur la planète Jakku, une planète déserte rude, en revendant des pièces détachées de machines et de robots ("scavenger" en VO, pilleuse d'épaves). Comme naguère un certain Luke, elle s'accroche à l'espoir de retrouver sa famille, Lorsqu'un robot droïde fugitif, le BB-8, l'appelle à l'aide, elle se retrouve mêlée à un conflit d'envergure intergalactique, du côté des Rebelles...

Ce qui est intéressant est qu'elle se revendique elle-même comme une "no-one". Et pourtant, dès les premières séquences du film, c'est une jeune femme émancipée et débrouillarde (en sommes très contemporaine) qui se révèle : elle sait se battre seule pour éviter que l'on lui dérobe le BB-8. Lorsque Finn veut lui porter secours, elle lui intime à plusieurs reprises "Lâche-moi la main !". Elle sait démonter, réparer un robot en un clin d’œil, ou décrire ses caractéristiques techniques de façon détaillée (lorsqu’elle décrit le BB-8 à Kylo Ren). Loin de la robe virginale de princesse Leia, elle est vêtue de manière minimaliste, de la même manière que Luke Skywalker dans La guerre des étoiles (1977).

Elle sait piloter un vaisseau, dont le fameux Faucon Millennium, de manière totalement instinctive ("Je ne sais pas où j'ai appris à le piloter", avoue-t-elle à Finn). Surtout, elle possède la Force, et apprend progressivement à la manier. Ce qui n'en fait pas (encore) une Jedi puisqu'elle n'a pas suivi l'enseignement. On ne sais pas (encore) si elle a des liens de parenté avec des Jedi, comme Luke Skywalker. Mais elle apprend à la manier, et se situe dans le camp des Rebelles. Et surtout, elle manie le sabre laser, enfin ! Dans toute la saga Star Wars, Rey est la première femme (il a fallu attendre 2015 tout de même...) à recourir à la Force pour se battre, et à manier le sabre. Face à des hommes.

C'est là la grande nouveauté, la grande émancipation, qui en fait la première héroïne réelle de Star Wars. Lors de mon enquête pour Stratégies, l'historien Thomas Snégaroff (auteur de l'excellent Je suis ton père, ed. Naive) me disait à raison que "la princesse Leïa était modelée par une vision assez conservatrice : elle a la Force mais ne l'utilise pas, et se bat peu, à part pour utiliser parfois des fusils et pistolets". D'ailleurs, dans ce dernier opus, on voit à plusieurs reprises que Rey est en quelque sorte l'Elue, nouvelle dépositaire de la Force. Alors que Leia en a hérité naturellement par son père, Dark Vador, mais ne l'utilise pas.

Imperator Furiosa dans Mad Max : Fury Road

Imperator Furiosa dans le dernier opus de Mad Max, ensuite. Un des autres blockbusters incontestables (2,3 millions d'entrées en France), et mythiques de 2015. C'est Charlize Theron (40 ans), à l'image jusqu'alors plutôt glamour, qui incarne ce personnage, crâne rasé et peinture de guerre noire sur le front. A milles lieues de la jeune femme vêtue d'une robe lamé or dans les pubs pour la parfum J'adore de Dior...

Dans un désert dévasté où survivent des humains, clans de cannibales, sectes et gangs de motards, suite à une guerre nucléaire, l'"Imperator" Furiosa, c'est donc la fidèle partisane de "Immortan Joe" (Hugh Keays-Byrne), un ancien militaire devenu leader tyrannique. Elle le trahit et s'enfuit avec un bien d'une importance capitale pour le chef de guerre: ses "épouses", un groupe de jeunes femmes lui servant d'esclaves et de "pondeuses".

Au fil du film, on découvre une Furiosa qui a donc monté cette fuite, avec une cause militante, assurer un autre avenir à ces jeunes femmes, et fuir elle-même ce régime despotique pour un paradis rêvé, un territoire utopique où elle est née. Preuve qu'elle a longuement préparé cette fuite, elle a même conclu un accord pour pouvoir traverser un canyon contrôlé par un gang de motards.

Cette femme munie d'un bras robotisé (son bras manquant est représenté sur sa portière de camion), conduit et entretient son immense camion, doté d'un antidémarrage qu'elle seule peut déverrouiller. Elle peut même le réparer en s'agrippant en-dessous à son moteur, alors qu'il roule. Comme Rey, elle sourit peu, sait se battre, manier les armes... Elle aussi est vêtue comme une guerrière, avec un treillis kaki. A défaut d'une romance, une amitié s'esquissera avec Max, qui la sauve en lui transfusant du sang. Dans cette course-poursuite littéralement infernale, elle traversera une tempête, des canyons, perdra un œil, et manquera de perdre la vie, avant de revenir victorieuse la Citadelle avec sa prise - le cadavre de Immortan Joe - auquel elle va succéder en toute probabilité. Une femme devenue personnage principal d'un film de guerre, et s'apprête à prendre le pouvoir - la boucle est bouclée...

Voix off sur fondu noir. "Bonjour mon ami. Bonjour mon ami? C'est faible. Peut-être que je devrais te donner un nom, mais c'est une pente glissante. Tu es seulement dans ma tête. Tu dois t'en rappeler. Merde! C'est en train d'arriver. Je parle à une personne imaginaire". Petit uppercut dès l'entrée en matière, révélatrice...

Durant ces derniers jours, j'ai dégusté, puis dévoré, dans un de ces accès de binge-watching qui deviennent la norme dans notre "consommation" de la culture, la première saison d'une nouvelle série, dont bon nombre de geeks de mon entourage parlent en cette rentrée, alors qu'elle n'est même pas (pas encore ?) diffusée en France. Mr Robot : c'est la plongée dans l'enfer psychotique d'un nerd absolu, un hacker révolté, radical. En juin dernier, USA Networks a commencé à diffuser la première saison de cette série, Mr Robot, récompensée au très hype festival SXSW. La série a été réalisée par Sam Esmail, et produite par United Cable ainsi que Anonymous Content (admirez le clin d'eil)...

Le pitch: un jeune new-yorkais réservé, entre anxiété sociale et dépression, Elliot Alderson (Rami Malek, acteur méconnu, génial) développeur hyperdoué dans une grosse société de sécurité informatique (Allsafe) le jour, hacker-voyeur-justicier la nuit, va se retrouver embringué par une bande de hackers radicaux, par ailleurs militants hacktivistes (qui renvoient bien sûr aux Anonymous) au sein d'un mystérieux groupe, Fsociety. Un groupe dirigé par Edward Alderson, alias "Mr Robot" (Christian Slater). Ils veulent détruire les infrastructures des plus grosses banques et entreprises du monde, notamment le conglomérat tentaculaire E Corp (qu'il surnomme Evil Corp), où l'on peut voir un mélange de Enron, Microsoft et Google. Avec cet idéal volontiers libertaire, "casser" le système informatique de la multinationale, et ainsi libérer tous les particuliers de leurs dettes... Cela va marcher, bien au-delà de leurs espérances, au point d'entraîner des soulèvements populaires. La série multiplie les références geeks : comme chez Tarantino, les pirates de Fsociety ont des dialogues truffés de référances pour initiés ("je dois naviguer à travers un répertoire de structure en mode Tron", "Mon subconscient tournant en tâche de fond me faisait douter de ce que j'avais fait croire à tous les autres", lâche Elliot). Voilà pour résumer. Je ne vais pas jouer les spoilers sur cette série que j'ai trouvée brillante, radicale, provocatrice (peut-être trop pour qu'elle trouve un diffuseur chez nos diffuseurs française ?), malgré quelques facilités dans le scénario.

Assurément, Mr Robot consacre un nouveau type de super-héros des temps modernes, équipé de sa cape et son épée virtuels : le hacker. Et j'y reviendrai, mais Hollywood adore : il a besoin en permanence de nouveaux héros autour desquels broder des storytellings qui vont faire rêver les foules... De quoi ringardiser les vieux super-héros qui donnent des films cheap à (trop) gros budget. Qu'est-ce qui colle mieux à notre époque déstabilisée q'un héros solitaire, rebelle, névrosé, et shooté à sa vie numérique ?

C'est bien le personnage de Elliot qui est au cœur de la série : tout se déroule de son point de vue, il commente parfois en voix off, voire, semble prendre à témoin nous, les téléspectateurs, dans certaines séquences. Elliot donc, est en résumé "différent", n'accepte qu'a minima les codes de la vie en société et en entreprise, a une vie numérique cachée, solitaire, a ses névroses (qui deviendront centrales au fil de la série), ses addictions, a des opinions politiques radicales (tendance gauche libertaire)... Mais il se veut justicier, appliquant la justice à sa manière dans la vie numérique. Car il dispose de compétences rares et peu connues, comme prodige de l'informatique, capable d'accéder aux profondeurs du Dark Net - de quoi faire fantasmer le commun des mortels, et, là encore, Hollywood...

"Je ne sais pas comment parler aux gens"

Portrait-robot de notre jeune (anti)-héros donc, qui possède nombre de caractéristiques du hacker (et nerd)-type: l'adaptation au monde du travail et la vie sociale n'ont rien de naturel pour lui. Son boss, plutôt bienveillant à son égard, l'enjoint à ôter son hoodie (costume-type du nerd depuis Mark Zuckerberg) pour être sagement en chemise sur son lieu de travail. Sa meilleure amie, dans la même boîte que lui, tente vaimeent de le convertir au bases de la vie sociale en l'invitant régulièrement aux pots after-work avec d'autres jeunes dans le bar du coin. Souvent, il renonce au moment de franchir la porte du bar. D'ailleurs, Elliot l'avoue: "je ne sais pas comment parler aux gens".

Sa vision de la société est radicale : il n'a pas de page Facebook, qu'il hait, car "les réseaux sociaux gros plan sur un fil Twitter consistent à se spammer les uns les autres avec nos communautés de m***, en se faisant passer pour un fake, sur les réseaux sociaux qui nous volent notre intimité". Steve Jobs, héros des geeks, "s'est fait des millions de dollars sur le dos d'enfants" images d'une keynote de Steve Jobs,.... "C'est pas parce que les Hunger Games nous rendent heureux, mais parce qu'on veut être sous sédatifs. (...) J'emmerde la société!", lâche Elliott à sa psy.

Il y a d'ailleurs des fulgurances dans la série, sous le prisme de la dénonciation de la fausse transparence des réseaux sociaux : à un moment donné (épisode 3), il lâche: "Et si on affichait le code-source pour les gens aussi ? Les gens aimeraient-ils voir?..." Et cette séquence surréaliste où il imagine les employés de son bureau portant des pancartes sont placardés leurs secrets inavouables... Des fulgurances qui rendent la série radicale, en se référant clairement à Fight Club de David Funcher (1999).

Il a une haine certaine des multinationales, de 'Evil Corp', des puissants, qui forment à ses yeux une secte secrète, "un groupe puissant de gens secrètement en train de contrôler le monde".

Il a un secret obsessionnel, une addiction: il hacke tous les gens de son entourage: amis, collègues... Evidemment, il excelle dans le hacking, ce qui lui servira au de Fsociety, allant jusqu'à hacker un parking, à se créer une fausse page Wikipedia pour intègre le siège des serveurs de E Corp, ou encore une prison en piratant à distance le portable t'un flic posté à l'entrée... Parfois pour jouer les justiciers - autre caractéristique de la culture hacker (référence aux Anonymous...), comme menacer l'amant infidèle de sa psy. C'est d'ailleurs pour jouer les justiciers qu'il s'embarquera dans l'aventure Fsociety, pour mettre à genoux 'Evil Corp'. A un moment donné (épisode 3), il fixe le téléspectateur, affirmant "J'ai bien droit à quelques erreurs, je suis sur le point de changer le monde". Avec ce côté noir et blanc propre à tout hacker ( Black hat & White hat), à la fois "gentil" qui veut améliorer la sécurité informatique pour le bien de l'Humanité (car le hacher est souvent idéaliste), et "méchant" qui utilise se compétences à des fins criminelles.

Le hacker, ce rebelle du Dark Net qu'Hollywood adore

Assurément, le hacker est hype. Un reflet de la société, et d'un certain syndrome de Stockholm auquel semble être en proie l'industrie de l'entertainment US. En novembre 2014, alors que USA Network commandait à Sam Esmail les 10 épisodes de la série, Sony Pictures était victime d'un piratage des mails de ses dirigeants par le collectif Guardians of Peace, dévoilant caprices de stars et blagues de mauvais aloi. Quatre mois plus tôt, les comptes iCloud de dizaines de people étaient hackés par un sale gosse, et les photos de Kate Upton et autres Kirsten Dunst circulaient sur 4chan et Reddit... La série Mr Robot est aussi imprégnée des mouvements comme le Printemps arabe en 2010 - 2011 et le rôle des réseaux sociaux (le réalisateur Sam Esmail est égyptien), Occupy Wall Street en 2011 qui fustige le monde de la finance, ou encore le piratage du site de rencontres extraconjugal Ashley Madison en juillet 2015.

Il y a quelques années encore, le hacker vu par Hollywood était cet ado boutonneux et bidouilleur à lunettes, cantonné à des seconds rôles. Puis il devient un héros, tant dans la société que les médias. Edward Snowden (consacré dans le documentaire Citizenfour, sorti en 2014), est devenu la star intègre des lanceurs d'alerte (une nouvelle race de hackers intègres qui risquent leur vie au nom de la vérité...), comme le plus ambigü Julian Assange. Dans le dernier James Bond, Skyfall, on a vu réapparaître Q (vous savez, l'inventeur) sous les traits d'un jeune geek hacker sexy.

"Black hat, white hat", hacker freak, et cyber justicier

Le hacker le plus connu est bien sûr Lisbeth Salander (une femme, enfin), personnage central de la saga Millenium (dont le tome 4 cartonne): la punkette gothique sombre, un brin hardcore, passée par la case hôpitaux psychiatriques, aide le journaliste dans son enquête par sa propre investigation en ligne grâce au hacking. Elle aussi, elle a ce côté un peu freak où elle a une difficulté à interagir avec l'autre, et manie donc mieux le clavier que les relations humaines. Comme Elliot de Mr Robot. Ou encore comme Jess dans la série TV dystopique The Code (diffusée par Arte ce printemps), dont on comprendra au fil de la série qu'il est atteint du syndrome d'Asperger, une forme d'autisme qui serait propre aux nerds.

C'est justement un hacker que Michael Mann a mis en scène dans son dernier polar subtil, Hacker (Blackhat, en VO, sorti en mars 2015), Nicholas Hathaway, un pirate informatique qui purge une peine de prison, et est libéré s'il accepte de collaborer avec le FBI et le gouvernement chinois pour démasquer le coupable d'une attaque informatique contre une centrale nucléaire chinoise... Le héros solitaire est donc confronté à un ennemi virtuel, une nouvelle Mafia numérique qui menace de détruire une centrale. Michael Mann représente comme personne ce nouveau virus virtuel, qui circule dans une multitude de circuits informatiques...

Cela fait longtemps que Hollywood représente le hacker comme justicier masqué, tel un nouveau Batman. Depuis la mythique saga 80s Tron, ou encore Matrix, et bien sûr Guy Fawkes dans V for Vendetta, ce collectif de justiciers - bientôt rattrapé par la réalité, lorsque les Anonymous, au début des années 2000, en viennent revêtir son masque. Masque de justicier grimaçant qui est réapparu dans Mr Robot.

Pour le plaisir... Revoir le clip officiel de "Money" (Pink Floyd, The Dark Side Of The Moon, 1974)

C'est un de ces sons qui nous est incroyablement familiers, qui, en quelques secondes, fait jaillir une flopée de souvenirs, parfois lointains, embués. Dans "Money", le tube de Pink Floyd de 1974, les premiers accords de guitare se mêlent à des bruits de pièces de monnaie, et à celui d'une caisse enregistreuse.

Et si la caisse enregistreuse était amenée à disparaître, au profit d'une caisse informatisée ? Du coup, le son caractéristique, unique, qui y est rattaché pourrait disparaître lui aussi. Ce sont une multitude de sons liés à des machines, des usages quotidiens, qui sont en voie de disparition, car remplacés peu à peu par leurs pendants plus modernes. Des sons qui sont comme une Madeleine de Proust, derniers témoins d'une époque révolue (attention aux bouffées de nostalgie...), mais aussi à des gestes, des usages qui témoignent d'un quotidien tel qu'il était à une certaine époque. Et d'industries, des appareils voués à disparaître, à l'ère des progrès technologiques accélérés et de l'obsolescence programmée.

Il y a aussi le cliquetis d'une machine à écrire (appareil bientôt en voie de disparition), le son de la 2 Chevaux qui démarre, de la machine à café, de la craie qui crisse sur le tableau noir (en voie de disparition, au profit du TNI - Tableau Numérique Interactif, me souffle un collègue jeune papa), avec lequel me revient immédiatement en tête cette petite angoisse de la rentrée, le mal de ventre, l'odeur de la colle en bâtonnets Cléopâtre (et son odeur d'amande)... Ou encore ces petits "bip bips" aigus, le son de la connexion internet ADSL en 512 k...

Un paysage sonore de l'Europe industrielle

Tous des sons en voie de disparition qui vont bientôt être archivés, pour empêcher qu'ils disparaissent définitivement – et pour permettre aux générations futures de les connaître. C'est l'objectif du projet européen Work with sound (WWS), qui s'est donné pour mission de les collecter, les enregistrer, et les archiver, comme l'explique le site Archimag, repéré par Le Monde.

L'objectif: "recréer un paysage sonore de l'Europe industrielle", depuis le début du XIXe siècle, période de la première Révolution industrielle Six musées européens (de Pologne, Suède, Belgique, Finlande, Allemagne et de Slovénie) participent au projet depuis septembre 2013, financé avec l'Union européenne.

Quand on se ballade sur le site de WWS, il est conçu comme une véritable bibliothèque sonore. Déjà 400 sons, de quelques secondes à une minute, récoltés par des bibliothèques y sont minutieusement classés comme des livres, par thème (agriculture, enseignement, travaux manuels, automobiles, entertainment, pêche - sic) et par année. ont déjà été récoltés par les musées, documentés (objet, lieu, enregistrement) et illustrés d'une vidéo avant d'être classés par thèmes puis archivés dans une banque de données. J'adore ce crépitement de feu, ce vieux téléphone (que tente de reproduire une des sonneries standard de l'iPhone), le son du démarrage du Macintosh SE/30... Work with sounds ambitionne d'en récolter jusqu'à 600.

Les sons, sous licence Creative Commons Attribution 4.0 International (CC BY 4.0) sont librement téléchargeables et libres d'utilisation. On a un peu oublié les licences CC, très en vogue au début des années 2000 (j'en parlais par exemple ici et là), or c'est une vraie alternative au copyright. C'est même une des versions les plus souples de la licence CC qui a été retenue ici, qui permet des usages commerciaux.

Imaginez les usages possibles autour d'un tel projet: au-delà de son intérêt en terme de sauvegarde du patrimoine, chacun pourra enrichir sa playlist de sons du passé. Mais aussi pour la musique (à la manière des Pink Floyd), pour les ingénieurs du son en jeux vidéos, en télé, en cinéma, en publicité... Cet archivage immatériel est aussi important que l'archivage de photos, de textes, et même de sites web. Une mission pour la BNF et l'INA ?

"Tous les épisodes dès maintenant !". "A regarder où et quand vous le souhaitez, seulement sur Netflix". L'argumentaire publicitaire était assuré et un rien arrogant, pour les pleines pages de pub qu'il s'était offertes dans le JDD dimanche dernier. Pour le lancement, le 10 avril, de Daredevil, sa dernière série originale-blockbuster, première série télé de super-héros, adaptation du comic book de Marvel. Sept mois après son lancement en France, Netflix, le trublion américain de l'audiovisuel n'a plus peur de grand-chose. Pas très rentable, pas encore très connu en France... Peu importe, l'essentiel tient dans le choc culturel qu'il a déjà provoqué. C'est lui qui a créé cette nouvelle habitude, le "binge watching", équivalent télévisuel du "binge drinking", où l'on s'abreuve de séries télé.

"Binge watching"

Chacun en a, un jour, fait l'expérience. Même les téléphobes absolus. Qui arguent du fait qu'ils peuvent choisir *leur* série favorite du moment, et la consommer regarder quand ils veulent, sans être soumis au rythme du diktat télévisuel "old school". Car c'est une des autres révolutions culturelles induites par Netflix, et les autres services de vidéo à la demande par abonnement (SVoD) : plus question d'attendre religieusement la diffusion au compte-goutte, chaque semaine, de quelques épisodes de sa série préférée. La faute, pêle-mêle, à ces services de SVoD, évidemment aux divers services de téléchargement (ou visionnage en streaming) parfaitement illégaux, telle l'appli de streaming gratuite Popcorn Time (qui porte bien son nom). Et bien sûr la montée en gamme, ces dernières années, des séries télé, terrain de plus conquis par des grands noms (acteurs et réalisateurs) du cinéma.

Oui, mais Netflix est en train de rendre ces usages mainstream, tout comme la télévision de rattrapage (catch-up TV). Même moi, qui n'ai jamais été fan des séries télé, je me suis parfois surprise à engouffrer plusieurs épisodes à la suite lors de longues soirées, ou lors des classiques crèves et grippes hivernales. Certes, la première série haut de gamme à m'avoir entraînée fut Mad Men (parce que j'entrais à Stratégies, cette série sur les débuts des grandes agences de pub sur l'Avenue Madison avait pour moi une valeur documentaire, mais aussi parce que j'ai adoré son élégance visuelle et d'écriture, comme j'en ai alors parlé ici). Mais ces derniers mois, j'ai dévoré Orange is the new black, Real Humans, Girls, Silicon Valley, Bloodline. Certaines diffusées chez OCS (l'offre de SVoD d'Orange), mais la plupart chez Netflix.

L'ergonomie même du service nous incite à enchaîner allègrement les épisodes : inutile de les télécharger, on peut les lire instantanément, puisque Netflix et consorts passent par notre box ADSL Internet Le premier épisode de la série achevé, le service de SVoD me suggère de lire le suivant, sans publicité qui m'inciterait à m'arrêter. Mieux: sans que je bouge un orteil de mon canapé, au bout de quelques secondes, il le lance automatiquement.

Vous l'avez reconnu...

Et, tiens donc, Netflix, en nouveau trublion de l'audiovisuel, dicte ses règles. Son modèle : proposer les épisodes de ses nouvelles séries non pas de manière perlée, mais par saisons entières ! Il a révolutionné le secteur de la fiction télé par ce modèle, initié avec sa vénéneuse série politique House of cards. Et les autres chaînes de télé ont suivi ! Canal+, pour qui Netflix est l'ennemi juré, a malgré lui adopté son mode de diffusion : alors qu'il a décroché les droits exclusifs de diffusion de House of cards en France (Netflix France ne la propose donc pas), lors de la sortie de la très attendue saison 3 dans L'Hexagone, il n'a pas eu le choix : il a proposé d'un bloc toute la saison sur son service maison de SVoD, CanalPlay, en même temps que son lancement outre-Atlantique, sur Netflix US?. Les abonnés au Canal+ classique ont, eux, dû attendre quelques semaines pour la découvrir - par épisodes égrenés. Le téléspectateur a désormais la liberté de visionner "ses" séries à son rythme (dont de manière compulsive ;), et non plus au rythme dicté par le diffuseur.

Canal+ avait déjà expérimenté cette nouvelle offre : lors de la sortie des dernières saisons de Mafiosa et ''Engrenages'', ses séries-stars Made in France, , il proposait le même jour l'ensemble des saisons précédentes en VoD. Même la très sage France Télévisions se fait violence : à la veille de la diffusion sur son antenne de la saison 2 de la série britannique Broadchurch, France 2 offrait une séance de rattrapage en rediffusant la première saison de huit épisodes, en une salve, dans la nuit de dimanche 5 à lundi 6 avril, dès 0h05. D’ailleurs, le festival de séries télé Series Mania, qui commence ce weekend au centre Pompidou à Paris, annonce dans son programmes des séances "marathons" de séries, à s’engloutir plusieurs heures d'affilée.

"Uberisation" de la culture

Ce qui est d'autant plus vertigineux est que ce modèle Netflix de consumérisme culturel semble contaminer d'autres secteurs culturels, comme le relatait récemment cet excellent article de GQ. Cela faisait longtemps que je voulais écrire sur cela, parce que je m'aperçois que ce nouveau type d'offres influe directement sur la manière dont je me cultive, je me divertis, dont j'acquiers des biens culturels.

Je m'en aperçois dans mon quotidien : de plus en plus de services me proposent des offres "à la demande" c'est-à-dire non pas à l'unité, mais par un abonnement (souvent mensuel) qui me donne un accès illimité à ces contenus et services. Au nez et à la barbe des acteurs classiques du secteur. Une forme d'"uberisation" de la culture, en somme. Evidemment, cette consommation dématérialisée est devenue possible avec ces nouveaux modes d'abonnement, mais surtout nos nouveaux joujoux, ces smartphones et tablettes que nous avons tout le temps avec nous.

Mon abonnement Netflix (ou OCS, CanalPlay...m'a donc habituée à engloutir des épisodes de séries, plutôt que de les déguster progressivement, épisode par épisode. Mais je m'habitue à ce mode de consommation dans d'autres secteurs : en musique, avec mon abonnement Spotify (ou Deezer, ou Beats Music, service racheté à prix d'or par Apple l'an dernier): qui me permet d'écouter des singles ou l'intégralité d'albums, classiques ou tout juste sortis, de manière illimitée. Je n'achète presque plus de disques physiques: pas grave, j'estime compenser en payant ma place de concert, ou en acquérant l'album physique lorsqu'il me plaît rainent, de préférence sous forme de vinyle (le bel objet que je conserverai - preuve que le vinyle a repris).

Les jeunes stars de la musique ont bien remarqué ce nouveau mode de consommation "à la Netflix". Beyoncé publiait d'un coup sur iTunes, en décembre 2013, l'intégralité des 17 clips de son dernier album fin 2013. Et ce sans promotion préalable ni teasing autour de l'album, intitulé en toute simplicité Beyoncé.

"Netflixisation" du jeu vidéo, du livre, du porno...

Dans les jeux vidéos, des offres en illimité émergent aussi, telle Playstation Now . Évidemment, l'industrie du X s'est elle aussi engouffrée dans la brèche: à la manière de Netflix, avec PornEverest.com, qui promet "le porno illimité en streaming et téléchargement HD. Vous en avez marre des sites pornos où vous passez plus de temps à chercher des vidéos plutôt que vous faire plaisir ? Porneverest est là ! Grâce à ses filtres, le site vous suggère des films à la chaîne en haute définition correspondants à vos goûts. Vous n'avez plus besoin d'avoir les mains prises et pouvez vous adonner à votre activité favorite", souligne finement le site.

Pour lire la presse aussi, je me suis habituée à ce mode d'abonnement (presque) illimité. Avec un de ces kiosques numériques, tel Le Kiosk, qui me permettent de télécharger et lire sur ma tablette, sur abonnement (en moyenne 10 euros par mois pour 10 magazines), la version numérique des derniers magazines ou quotidiens. Sans possibilité de les annoter, les surligner, les imprimer ou de déchirer des pages. Là encore une expérience devenue immatérielle.

Pas beaucoup de place chez moi pour stocker des livres : de toute façon, les romans sont devenus éphémères, on lit celui qui "fait l'actu" avant de passer à un autre... Des services d'abonnement me permettant de lire sur ma tablette les dernières sorties littéraires apparaissent, telle Kindle Unlimited. Sans compter les services qui répertorient les classiques de la littérature tombés dans le domaine public. Et, de nouveau, les sites pirates.

"Tout-illimité"

Cette culture du "tout-illimité" consacrée en modèle économique débarque même dans les offres de services d'acteurs plus classiques. Tels les opérateurs télécoms. Des offres commencent à proposer des abonnements avec une consommation de datas en illimité. Le 11 novembre dernier, Bouygues Telecom proposait ainsi à ses abonnés "un week-end de datas illimitées". Et "se congratulait sur Twitter, via son PDG Olivier Roussat, du nouveau record de consommation de données (920 gigas !)" que venait d'atteindre un de ses clients, rapporte GQ.

Même dans les transports: la SNCF a lancé en février ses premiers abonnements "illimités", avec le forfait IDTGV Max, qui permet aux utilisateurs de voyager de façon illimitée sur l'ensemble du réseau iDTGV. Une sacrée rupture, alors qu'au fil des années, pour chaque trajet en train, on a pris l'habitude de faire joujou sur Voyages-Sncf.com pour décrocher les trajets les moins chers... Mais le tout-illimité couplé au low-cost à ses limites: l'effervescence passée, des utilisateurs ont rendu leur carte. Découvrant le manque de destinations, puisque le réseau iDTGV ne relie que une cinquantaine de destinations en France.

Et bientôt, les casques de réalité vituelles, tel le Oculus Rift, nous permettront de naviguer sans limites dans un monde virtuel; Sans limites.